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SOBRE  nosotros

Music Corner Show es un programa online compuesto de cápsulas semanales que buscan informar sobre cómo ha sido la evolución de la música a través de la tecnología hacia  la era digital para llegar hasta la gran vanguardia de la  música electrónica.

 

        What  es? ¿De dónde viene? ¿Cómo surge? ¿Cómo sucedió?

Todas las dudas y preguntas que has tenido sobre los  distintos géneros,  subgéneros, e industria con respecto a la música, aquí en @musicornershow se las resolveremos capitulo a capitulo .
 

  • Foto del escritorGisela Lindhorst

EL INSTRUMENTO ELECTRÓNICO: SINTETIZADORES Y ¿CUÁLES SON LAS RAÍCES DE LA MUSICA ELECTRÓNICA?

Actualizado: 3 ago 2018

El primer capitulo estuvo diseñado para ser introductorio, y como no serlo si en un mundo tan extenso como el de la música se hace necesario explicar ciertos conceptos básicos para que todos comprendamos el mismo marco teórico antes de entrar a desentrañar el origen de la música electrónica porque esta suele ser confusa. Se trata de una clasificación que agrupa una reunión de formas musicales en modo de géneros y sub géneros, bailables y no bailables, que pertenecen a distintos períodos de tiempo dentro del paraguas de la música electrónica.


Es por eso que comenzamos hablando sobre el rol de la tecnología en la evolución de la música y porque esta se llamaba música electrónica debido a que en gran parte era y es creada a través de instrumentos electrónicos y es así como nace el rol del sintetizador. El sintetizador es uno de los instrumentos musicales más jóvenes de la industria. Los primeros modelos fueron fabricados en los años 60 en cantidades limitadas y dieron forma a la concepción actual de los sintes. La mayor accesibilidad a ellos acercaron la opción de accesibilidad para el público común, permitiendo una oleada de experimentación musical que dieron pie a lo que hoy en día llamamos música electrónica. Al poco tiempo de vida como instrumento, la influencia de este producto en la música moderna ha sido brutal e impactante, se le adjudica como herramienta principal al desarrollo tecnológico de estos increíbles aparatos el impulso para que se crearan cientos de estilos que no hubiesen visto nunca la luz de no ser por estos.

¿QUÉ ES UN SINTETIZADOR?

Early Minimoog by R.A.Moog (ca.1970)

Los sintetizadores a grandes rasgos son instrumentos musicales modernos que se utilizan para generar señales eléctricas que se usan para producir vibraciones en los altavoces, auriculares, y monitores diseñando sonidos electrónicos.


El instrumento que esculpió la música electrónica se basa en un principio simple. Su principio de funcionamiento se diferencia de la grabación del sonido natural como por ejemplo el que nos otorgan los instrumentos de cuerdas, percusión y vientos (que producen vibraciones que viajan en el aire) porque el sintetizador parte de la energía eléctrica generando una oscilación que se convierte en ondas acústicas. El sintetizador en teoría solo es posible percibirse a través de los parlantes, es el monitoreo el que permite que cualquier onda sea reproducida. Sin parlantes la síntesis no es posible.


Los sintetizadores tienen la capacidad de poder imitar otros instrumentos o generar nuevos timbres. Usualmente son ejecutados a través de un teclado, pero pueden ser controlados con varios tipos de dispositivos de entrada incluyendo secuenciadores, controladores, fingerboards, sintetizadores de guitarra, instrumentos electrónicos de viento, y baterías electrónicas. En el caso, de ejemplo, del teclado este se usa para definir qué nota pasará por todo el mecanismo, pero con la capacidad de alterar su timbre (es decir como suena, lo que diferencia a una guitarra de un piano) con una variedad muy amplia de parámetros. No hay que confundirse, hay una diferencia entre el teclado que ya viene con sonidos predeterminados los cuales no se pueden modificar, vs un sintetizador que incorpora un teclado cuyos sonidos son modificables. Gracias a los sampleadores y a la cantidad de softwares de grabación que existen, se puede emular distintos sonidos casi idénticos al original. La música electrónica no tiene limitaciones, uno de las grandes virtudes es que puedes simular instrumentos sin ser experto. Por ejemplo, puedes tener un sonido de un saxo y puedes armar una melodía, sin tener la necesidad de saber tocar el saxo.


TIPOS DE SINTETIZADORES

Dentro del mundo de la síntesis de audio existen tres tipos de sintetizadores: los análogos, los digitales y los virtuales. Es importante mencionar que ninguno es mejor que el otro, simplemente por su naturaleza cada uno tiene su carácter y sonido. Destacan por ser una fuente infinita de posibilidades sónicas y dependiendo del sonido que se este buscando, se recurre a cierto tipo de sintetizador.


Durante años, estos instrumentos evolucionaron desde una primera fase, manipulados de forma directa desde la corriente eléctrica, el sonido en este tipo de sintetizadores puede llegar a variar según a la cantidad de voltaje que recibe como los modelos modulares de sintetizadores analógicos de Arthur Robert Moog. El modelo de la imagen es un Moog Sub Phatty Synthesizer.



JUPITER-80 (2011) Roland

En una segunda fase, manejar una onda Fm digital dio origen a los sintetizadores digitales, este tipo de sintetizadores fueron muy populares en las décadas pasadas y gracias a ellos nacieron muchos tipos de síntesis. Estos trabajan a través de cálculos matemáticas como lo haría cualquier computadora actual. Gracias a que el sonido es generado a través de operaciones matemáticas el sonido nunca varía, haciéndolo un tipo de síntesis muy estable. A partir de aquí los sintetizadores mezclan tanto componentes análogos como digitales, haciendo los famosos sintetizadores híbridos. El modelo de la imagen es un JUPITER - 80 (2011).


Massive Synth Virtual de Native Instruments.

Finalmente en un tercera fase, manipularon valores discretos (números enteros) del sistema binario para crear softwares (sintetizadores virtuales) con interfaces gráficas que simulan los efectos físicos de los sonidos analógicos y digitales y se utilizan a través del computador. Los sintetizadores que no cuentan con algún tipo de controlador son llamados "módulos", y son controlados a través de MIDI o control de voltaje. El modelo de la imagen es el Massive Synth Virtual de Native Instruments.


A mediados de los años cincuenta este invento permitió combinar una lista infinita de sonidos electrónicos y artificiales. Al principio el sintetizador servía de base para mejorar el sonido de los grupos de rock que dominaban el panorama musical.

Fue más tarde, a principios de los ochenta, cuando se empezó a utilizar para experimentar a nivel musical. En esta época surgieron nuevos y asequibles aparatos como el midi (musical interface for digital instruments). Esto provocó que todo el mundo pudiese experimentar por su cuenta la música de una forma nueva y mas practica, lo anterior trajo consigo como resultado la exposición de contenido creativo moderno el cual se llevó a las discotecas y continúo en los años noventa en adelante.


La música de baile electrónica le debe todo a la invención del MIDI en 1981. Con esto, todos los sintetizadores, samplers y cajas de ritmos lograron al fin poder comunicarse, eso es lo que permite el desarrollo de la tecnología. Pudiéndose comunicar entre sí, se permite avanzar en el sistema de protocolo universal, lo que permitió como gran repercusión que el arte de producir música se volviera tanto más simple, en consecuencia más fácil. No es tan fácil como lo es hoy, pero fue suficiente para que el sonido electrónico inicial del house se difundiera y para dar inicio a que surgieran otras escenas, por ejemplo, el sonido electrónico (fuertemente influenciado por Kraftwerk) que más tarde evolucionará al techno de Detroit (esto se viene en los próximos capítulos!). El MIDI sigue siendo el estándar hoy en día, es la forma en que los sintetizadores y controladores hablan entre sí. El uso del MIDI estaba originalmente limitado al uso de instrumentos electrónicos en la producción musical del pop, pero como la música es mejor amiga de la tecnología, el estándar se difundió e incorporo tan rápido que permitió que diferentes instrumentos pudieran comunicarse con otros y con las computadoras. Esto causó una rápida expansión en las ventas y en la producción de instrumentos electrónicos y softwares musicales. Esta intercompatibilidad permite que un dispositivo pueda ser controlado desde otro, lo que ayudó a músicos a que tenían la necesidad de utilizar distintos tipos de hardware, simplificándoles la dinámica. La introducción del MIDI coincidió con la llegada de las computadoras personales, los primeros samplers (los cuales permitían reproducir sonidos pre-grabados en presentaciones en vivo para incluir efectos que previamente no eran posibles fuera de los estudios, son distintos a los sintetizadores, pero se utilizan a la par en la producción) y los sintetizadores digitales. Las posibilidades creativas que permitió la tecnología MIDI ayudaron a revivir la industria de la música durante los ochenta.


Estos sonidos dieron, durante años, vida a la movida de la música electrónica actual, desde la propuestas underground de los Dj de Detroit, con el uso de sintetizadores y cajas de ritmos para hacer composiciones de Techno y House, hasta las propuestas comerciales, donde los Dj usan los más sofisticados software e instrumentos digitales para realizar géneros mas populares dentro del EDM, pero eso lo hablaremos mas adelante.


¿CUÁLES SON LAS RAÍCES DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA?

Los invito a dirigirnos al origen. Un hecho muy interesante sobre la música popular es que surgió por necesidad en lugar de ser una forma de arte o expresión. La música ha existido desde siempre pero los primeros géneros se remontan a principios del siglo XIX, y aunque ustedes no lo crean, nuestra herencia proviene del continente más antiguo, de la música africana.


Como primer género podemos considerar el “Spiritual and Worksongs” que quiere decir música espiritual y de trabajo forzado. Si nos remontamos a principios del siglo XIX en un momento en que la esclavitud de los pueblos africanos todavía era permanente en los Estados Unidos, nos encontraremos con estas primeras generaciones de afroamericanos que a menudo cantaban canciones durante su trabajo duro, inspiradas en los ritmos nativos de su continente natal. Además de ser una manera de aliviar un poco el sufrimiento, sus canciones de trabajo también actuaron como una herramienta de comunicación inteligente para mensajes ocultos. Destacaba como instrumento principal el instrumento personal, la voz a través de la acappella, los cantos de trabajo permitían a los esclavos eludir el control del capataz. Este tipo de canciones se caracterizan por un zumbido repetitivo en el canon y ya hacían uso de "notas blues". Las principales influencias del primer género musical popular provienen directamente entonces de las raíces la música africana, las baladas folklóricas negras y las bandas Jug.


En cuanto al lado espiritual que es parte de la herencia musical africana también, destacan estas oraciones cantadas que buscaban ofrecer un destello de esperanza. Este tipo de canciones son mucho más largas, con letras fuertes, agudas y nasales. Eventualmente esta linea Espiritual comenzó a mezclarse con himnos de la iglesia y del Evangelio dando origen a uno de los géneros originarios y más importantes de la música popular, el Gospel.


GOSPEL, SÚPER GENERO MATRIARCAL


La palabra "gospel" proviene de dos palabras en inglés: "good" (que perdió una vocal y se mal interpretó por la palabra Dios) y "spel", que significa una historia o un mensaje. Por lo tanto, el gospel en su sentido teórico es la misma palabra que godspel o goodspel: que quiere decir noticias afortunadas. Esta etimología es bastante interesante porque trasciende la dimensión religiosa y nos muestra el poder del gospel: un género que reúne a las personas, incita al sentido de comunidad e inspira a hacer el bien, a traer lo bueno y a sentirse bien.


Cuando todo esto comenzó a tomar forma en Estados Unidos, formaron inmediatamente después de finalizar la Guerra de la Secesión 1865, los blancos se enteraron de esta nueva dinámica de esta música "negra" y comenzaron a realizar parodias, como error ignorante del humano. Irónicamente, esta dinámica discriminatoria ayudo a la difunsión de esta desconocida cultura de música afroamericana por toda la tierra y lo cual marco las bases para luego dar forma al futuro Blues y Jazz.


Entre 1880 y 1930, el Gospel evolucionó lentamente hasta tornarse en un genero popular y brillante, cantada y conocida por muchos estadounidenses, tanto blancos como negros, pero todos fundamentalmente Cristianos. El Gospel comenzó como himnos emocionales que se interpretaban en la iglesia, hasta tornarse en un coro con dinámicas de canto de llamadas y respuestas. Esto significa que una parte del coro canta una parte y la otra responde con una diferente armonización en cuanto a lo técnico. Este juego alterno de acordes con intervalos inusuales se convertiría en una marca registrada permanente importante para mucha de la música popular. El Early Gospel o tradicional (a veces conocido como Jubileo) debido a que casi no había instrumentos, tenia como objeto principal las letras de las canciones, la percusión se logró mediante la voz y el aplauso. Fue así como el Gospel fue evolucionando de la voz frágil de los esclavos negros a un género innegablemente enorme con muchos subgéneros. El Gospel logro sacudir bastante rápido su dimensión racial demostrando el objetivo principal de la música la union: el blanco y el negro se unen para cantar la canción de "Dios". Porque el Gospel tiene que ver más con la fe que con la raza; acerca de creer en un mundo mejor y futuro y conectar diferentes almas.


Finalmente mucha gente sabe que el House nació de las cenizas de la música Disco y el Soul de los finales de los años 70, pero no todos saben que sus raíces originales son todavía más espirituales, y ustedes ya saben que esas raíces provienen del Gospel.


By Gisela Lindhorst














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